WILLIAM EUGENE SMITH (1918-1978)

Nacimiento: Wichita, Kansas, 30 de diciembre de 1918

Defunción: Tucson, Arizona, 15 de octubre de 1978

Reportero fotográfico estadounidense nació en Wichita, Kansas en 1918 y falleció en Tucson, Arizona, en 1978.

Comenzó su carrera realizando fotografías para dos periódicos de su ciudad natal, “The Eagle” y “The Beacon”.

Se trasladó a New York donde comenzó a trabajar para el Newsweek y se hizo conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad. Cambió a la revista Life en 1939 ante su negativa a usar cámaras de formato medio. Aunque en esta revista solo permaneció 3 años hasta su dimisión.

Fotografió la II Guerra Mundial desde las fronteras de la ofensiva estadounidense contra Japón en Saipán, Guam, Iwo Jima y Okinawa. Después de ser herido en la guerra y perder el interés por este género fotográfico, continuó u labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico entre 1947 y 1954.

En la década de los años 50 pasa a formar parte de la agencia Magnum, quien le encarga un proyecto documental sobre Pittsburgh, donde profundiza su metodología de trabajo de profunda implicación con el objeto de su documentación. El trabajo para 3 semanas se prolonga un año, además de tener profundas discusiones sobre la importancia de la participación del autor durante la edición final de las mismas.

Eugene Smith falleció en 1978 debido al abuso de drogas y alcohol.

FOTOGRAFÍAS

“The walk to Paradise Garden (1946)

Fotos de sus dos hijos andando agarrados de las manos. Las realizó después de la II WW, cuando decepcionado por la guerra y lo visto en ella no parecía que fuera a seguir su labor. De modo que un día dando un paseo con sus hijos Juanita y Patric, tomo esta fotografía.

“Si bien he seguido a mis hijos en la maleza y entre los arboles […]. Y les observé, de repente me di cuenta de que en ese momento, a pesar de todo, a pesar de las guerras y todo lo que había pasado hasta ese día, quería cantar un soneto a la vida y el valor para seguir viviendo..[1]”

“Country Doctor” (1948).

Ensayo fotográfico del Doctor Ernest Ceriani en el pequeño pueblo de Kremmling, Colorado. Fue la primera fotografía del llamado “Foto relato”; corriente del fotoperiodismo moderno.

“Spanish village” (1950).

Es un ensayo fotográfico del pueblo extremeño de Deleitosa, (Caceres) en España. Realiza 1950 fotografías y un informa de 24 páginas para el reportaje. Se han tirado 22 millones de ejemplares entre original y las reediciones.

Fue publicado para la revista LIFE el 9 de abril de 1951. La serie constaba de 16 fotografías en las que se mostraba la vida de los habitantes de dicho pueblo cacereño, desde una comunión a un entierro, la vida diaria, sus dificultades para vivir en un pueblo en una España tan atrasada con respecto al resto del mundo.

Un pueblo que tenía 265 habitantes, el triple que ahora y carecía de teléfono, alcantarillado y agua corriente. Las intenciones de Smith eran las de “capturar la acción de la vida, la vida del mundo, su lado cómico, sus tragedias, en otras palabras, la vida tal como es. Una imagen auténtica, inmediata y real”. Según como afirma su intérprete, Smith debía ser objetivo, pero no lo era. Estaba absolutamente en contra de la situación en la que esa gente estaba.

A pesar de eso, intentó evitar cualquier alusión a la Guerra Civil para proteger a los retratados, pero cualquier debía tener presente – según sus propias palabras – que aquellos que aparecían “estaban afectados por la impresión, el aprisionamiento y los asesinatos que ha cometido su gobierno y quienes lo apoyan (esa gente para la que estamos preparando una ayuda de 100 millones de dólares” (en alusión a la ayuda que los EEUU pretendía enviar a España.

Smith tomó 45 carretes. El director de arte que se encargará de ordenar las imágenes y seleccionarlas tomo de las 113 que seleccionó Smith, un total de 17, atendiendo más a su belleza y significado emocional que al comentario político. Su recepción es extraordinaria tanto en crítica como de público y se considera una obra maestra de la fotografía documental humanista[2].

“Nurse Midwife” (1951).

Ensayo fotográfico sobre la enfermera Maude Callen, en California del Sur.

“A Man of Mercy” (1954).

Ensayo fotográfico del Doctor Albert Schweitzer y su trabajo humanitario en la Francia Ecuatorial, África.

“Pittsburgh” (1955)

Son una serie de fotografías sobre esta ciudad industrial en decadencia, encargados por la Agencia Magnum para conmemorar el bicentenario de la ciudad. EL proyecto se llamaba: “”Pittsburgh: Historia de una ciudad americana”. Permaneció allí un año, durante el cual tomo cerca de 17.000 fotografías. Fue el ensayo más ambicioso de su vida. Trató de captar la complejidad tanto de la ciudad como del mundo moderno. Las fotografías en su conjunto presentan imágenes de la esperanza y la desesperación, la pobreza y la riqueza, la soledad y la unión[3].

“Haiti” (1958-1959)

Ensayo fotográfico de un Instituto Psiquiátrico en Haití.

“Minamata” (1971-1975).

Ensayo fotográfico sobre los efectos de la polución industrial en el pueblo pesquero de Minamata (Kumamoto, Japón).

Fundación William Eugene Smith

Promueve la “fotografía humanista” y desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.

Enlaces

https://es.wikipedia.org/wiki/William_Eugene_Smith

http://www.xatakafoto.com/fotografos/eugene-smith-y-el-ensayo-fotografico

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL5347YF

http://smithfund.org/

http://www.elmundo.es/album/espana/2015/10/30/562141b8e2704ee41b8b4579.html

http://www.slightly-out-of-focus.com/W_Eugene_Smith_Spanish%20Village.html

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[1] Texto original: While I followed my children into the undergrowth and the group of taller trees – how they were delighted at every little discovery! – and observed them, I suddenly realized that at this moment, in spite of everything, in spite of all the wars and all I had gone through that day, I wanted to sing a sonnet to life and to the courage to go on living it….

Pat saw something in the clearing, he grasped Juanita by the hand and they hurried forward. I dropped a little farther behind the engrossed children, then stopped. Painfully I struggled — almost into panic — with the mechanical iniquities of the camera….

I tried to, and ignore the sudden violence of pain that real effort shot again and again through my hand, up my hand, and into my spine … swallowing, sucking, gagging, trying to pull the ugly tasting serum inside, into my mouth and throat, and away from dripping down on the camera….

I knew the photograph, though not perfect, and however unimportant to the world, had been held…. I was aware that mentally, spiritually, even physically, I had taken a first good stride away from those past two wasted and stifled years. Fuente. https://iconicphotos.wordpress.com/2011/10/01/a-walk-to-the-paradise-garden/

[2] El Mundo, noticia: http://www.elmundo.es/album/espana/2015/10/30/562141b8e2704ee41b8b4579.html

Deleitosa en la actualidad. http://www.janbanning.com/my-writings/eugene-smiths-spanish-village-revisited-the-villagers-struggle-with-being-an-icon/

[3] http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=SearchResult&ALID=2TYRYDDWMV75

LEO MATIZ ESPINOZA (1917-1998)

Nacimiento:      Aracataca, 1 de abril de 1917

Muerte:              Bogotá, 24 de Octubre de 1998

Fotógrafo y caricaturista colombiano con reconocimiento internacional. Residió en Colombia, en México donde se relacionó con notables artistas aztecas, en EEUU donde trabajó para algunos medios como “Life” y “Reader’s Digest”, también en Venezuela como fotógrafo del Palacio de Miraflores.

BIOGRAFÍA

Nació en rincón Guapo en 1917, una aldea de Aracataca, Magdalena, donde proliferaba la exuberancia del paisaje tropical junta con la modesta supervivencia de sus habitantes cultivadores de banano.

En su adolescencia viajó a Bogotá para trabajar en el periódico “El tiempo” y frecuentó la vida bohemia de los cafés con los pintores y caricaturistas famosos a finales de la década de 1930. Por exigencia de Enrique Santos Molano “Calibán”, abuelo de Juan Manuel Santos, actual presidente de Colombia, Matiz adoptó la fotografía y consolidó en Colombia una reputación de reportero gráfico alerta con las situaciones y en un cazador penetrante del azar y las almas de los personajes captados con su cámara Rolleiflex.

Matiz, volcó su talento tanto en fotografía, cine, fotografía publicitaria, creación de periódicos y fundador de galerías de arte. Su primera exhibición fue en 1951, donde exhibió al pintor Fernando Botero en la Galería de Arte Leo Matiz.

México, Centroamérica, EEUU, los andes latinoamericanos, el caribe, Palestina, Beirut, Tel Aviv y Venezuela, son algunos de los escenarios en los que revoloteó el alma indoblegable y apasionada del fotógrafo, orientando su mirada hacia lo que Henri Cartier Bresson denominó “el momento decisivo”, ese instante irrepetible en el que convergen lo inesperado de la vida humana, una retina capaz de ir más allá de lo visible y una sensibilidad extraordinaria para comprender el vértigo de la historia y el drama humano más allá del implacable ritmo de las rotativas de prensa.

La vuelta al mundo en imágenes le llevó a realizar travesías inesperadas como la que le llevó a París para celebrar la liberación del régimen nazi el 24 de agosto de 1944 y a través de su mirada lúcida, penetrante y compasiva convirtió el paisaje urbano de libertad y de embriaguez colectiva en estampas geométricas y caprichosas.

Matiz se sumergió en la atmósfera nocturna y vibrante de la París liberada, perseguido por el fantasma vanguardiasta de los cronistas gráficos como Robert Doisneau y Brassai que lograron sus mejores obras en la Europa de entreguerras, inspirados en retratar la perturbadora magia nocturna de la ciudad luz con los detalles urbanos de plazas, calles, esquinas y fachadas que la han convertido en el sueño deseable y eterno de nuestra memoria visual, cumpliendo el ritual de lo que alguna vez predijo la ensayista norteamericana Susan Sontag: “fotografiamos lo que está a punto de desaparecer”.

Y así, saltando de un país a otro, de un continente a otro, la vida creativa y tumultuosa de Leo obtuvo reconocimientos meritorios como el premio Chevallier des Arts et des Lettres, concedido por el gobierno francés en 1995 y en 1997 el Filo d’Argento en Florencia, Italia. En 1998 el gobierno colombiano le rinde homenaje y lo reconoce como uno de los grandes protagonistas de la fotografía del siglo XX, y el 24 de octubre de ese mismo año fallece.

OBRA Y LEGADO

Pavo real del mar Santa Marta (1945)

Entre sus obras encontramos notables personajes y eventos como El Bogotazo (1948) durante el cual resultó herido

Pavo real del mar Santa Marta (1945), es una de sus obras fotográficas considerada como una de las mejores fotografías de Colombia, ha sido admirada en Japón y Estados unidos.

En 1949 fue elegido como uno de los diez mejores fotógrafos del mundo.

“Vital e incansable, igualmente obsesivo con la perfección en su trabajo de reportero, Matiz viajó de manera infatigable por los cinco continentes.”

Así es como lo define en su página web Miguel Ángel Flórez Góngora, y es algo que se puede comprobar a lo largo de toda su carrera.

Leo Matiz es uno de los fotógrafos más versátiles y singulares de la generación de reporteros gráficos que renovaron el fotoperiodismo durante las 6 primeras décadas del siglo XX en América Latina, EEUU y Europa.

Fundación Leo Matiz.

Creada durante la década de los 90 por él y su hija Alejandra, se legalizó en 1998 junto con el periodista y escritor Miguel Ángel Flórez, para crear una empresa sin ánimo de lucro que buscaba preservar y divulgar en el ámbito nacional e internacional el trabajo del que fue el fotógrafo colombiano más importante del siglo XX.

ENLACE

-http://www.leomatiz.org/

-http://www.xatakafoto.com/fotografos/leo-matiz-el-fotografo-colombiano-creador-de-imagenes-perennes-en-el-tiempo

FRANCISCO GINER DE LOS RÍOS (1839-1916)

En este caso, no trataré de hablar de un artista como tal, sino de una persona de gran importancia para el desarrollo de las artes y la educación en España a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, y que ha día de hoy, mayo de 2016, parece que en muchos aspectos no hemos avanzado con respecto a a hace más de 100 años. Sin mas, empiezo el desarrollo de esta importantisima personalidad.

Francisco Giner de los Ríos (Ronda, Málaga, 10 de Octubre de 1839 - Madrid, 18 de Febrero de 1916). Fue un pedagogo, filósofo y ensayista español que paso a la historia por ser el fundador de la Institución Libre de Enseñanza (ILE).

En 19852 obtiene el bachiller en Filosofía en Cádiz y se traslada a Barcelona donde estudia la preparatoria de jurisprudencia. En 1953 se traslada a Granada donde saca la licenciatura de derecho y el bachillerato de filosofía y letras. Ahí fue donde leyó los manuales sobre el krausismo que habían sido traducidos recientemente.

Desde 1863, en Madrid, alternó su trabajo como agregado diplomático en el Ministerio del Estado con su tarea en la Universidad Central donde conoce a Julián Sanz del Rio. En 1866 ganó por oposición la cátedra de Filosofía del Derecho y derecho internacional.

Cánovas del Castillo atentó contra la libertad de cátedra, por lo que a Giner, en 1875 le apartaron de la cátedra de Filosofía del Derecho y derecho internacional de la Universidad Central por negarse a acatar la norma que impedía las críticas a la religión católica o a la monarquía. Sufrió el mismo destino que Nicolás Salmerón, con quien compartía el pensamiento Krausista (introducido en España por Julián Sanz del Río, maestro de Giner) y posteriormente la aventura del ILE.

Ese año fue encarcelado y empezó a plantearse la creación de clases privadas en Madrid, intentando crear una institución de enseñanza superior libre, con su escuela de derecho. Esto surgió al año siguiente, como una institución ajena a todo espíritu e interés de comunidad religiosa, escuela filosófica o partido político.

Su primera intención era crear una universidad parecida a la Libre de Bruselas, fundada por masones belgas. No funcionó, pero se convirtió en el germen para que surgiera 30 años después, ya que sus dimensiones políticas tuvieron un gran alcance, creando generaciones de intelectuales. Uno de sus alumnos fue Antonio Machado quien le dedicó un poema a su antiguo profesor:

“Allí el maestro un día / soñaba un nuevo florecer de España”

En 1881 tras la dimisión de Cánovas, se formó el primer gobierno liberal de la Restauración y Giner y los demás catedráticos fueron restituidos en sus respectivas cátedras por Real Orden del nuevo Ministro de Fomento, Jose Luis Albareda. Por lo que la ILE afianzó su posición gracias al modelo de calidad adquiriendo renombre nacional y proyección internacional.

Realizó varios viajes por Europa (Portugal, Paises Bajoes, Francia e Inglaterra) acompañados de alumnos de la ILE.

El maestro Giner falleció en la casa del Paseo del Obelisco, Madrid y tras su muerte se creó la Fundación que lleva su nombre, el 14 de junio de 1916.

INSTITUCIÓN LIBRE DE ENSEÑANZA (ILE)

Fue un proyecto que duró seis décadas y “expandió una renovadora fe laica que veneraba la cultura y la ciencia, sacaba los libros al monte y sacudía la pelusa del retraso con el envío de talentos al exterior y la invitación a España de quienquiera que tuviese algo notable que aportar”.

Fue fundada el 29 de Octubre de 1876 y defenestrada (y vilipendiada) tras la Guerra Civil por la dictadura de Franco. La ILE fue una de las criaturas más innovadoras alumbradas en España. Sin ella no se enciente la generación de luciérnagas que puso patas arriba la cultura española en los años treinta. “Lo iniciado por Giner de los Ríos con la ILE en 18776 sólo se puede apreciar cabalmente 40 años después, tras su muerte”[1]. Planteó su universidad ideal con la idea de que fuera:

“no sólo una corporación de estudiantes y sabios, sino una potencia ética de la vida”

A partir de la creación de ILE, surgieron otras nuevas instituciones de gran importancia y repercusión, como:

           -  Museo pedagógico nacional (1882-1941)

Fue una de las primeras instituciones que se promovieron. Supuso una ruptura radical con el método tradicional de la enseñanza y la introducción de nuevas perspectivas en la educación y pedagógica. El propio director, Manuel Bartolomé Cossío lo definió como:

“El Museo de Instrucción Primaria está llamado a ser el órgano por donde en España se introduzcan todos los adelantes que en el orden de la primera educación se verifican en los demás países.”

El 9 de abril de 1941 fue desmantelado en su organización científica, pedagógica y administrativa, y su biblioteca, trabajos y material se trasladaron al Instituto San José de Calasanz dentro de la órbita del CSIC.

           -  Junta para ampliación de estudios e investigaciones científicas (1907-1938)

Fue creada para promover la investigación y la educación científica en España. Presidida por Santiago Ramón y Cajal desde su fundación hasta su muerte. Desmantelada en 1939 tras la derrota republicana en la Guerra Civil. A partir de su estructura se creó el CSIC.

A partir de este organismo se crearon las siguientes instituciones:

o     La residencia de Estudiantes (1910-1939) o las colonias Escolares.

Fue uno de los principales núcleos de modernización científica y educativa de España. En sus inicios fue la residencia de tres importantes figuras de la cultura española del siglo XX: el cineasta Luis Buñuel, el poeta Federico García Lorca y el pintor Salvador Dalí. También residieron Jorge Guillén, Severo Ochoa, Miguel de Unamuno, José Ortega y Gasset, Pedro Salinas y un largo etcétera.

Había un salón de conferencias por el que pasaron altas personalidades de la cultura a nivel internacional como: Einstein, Howard Carter, Paul Valéry, Marie Curie, Stravinski, H.G.Wells, Le Corbusier…etc.

Salvador Dalí, Moreno Villa, Luis Buñuel,
 F. García Lorca y José Antonio Rubio

o     Centro de estudios históricos (1910-)

o      Instituto Nacional de ciencias físico-naturales (1910-)

o Instituto-Escuela (1918-). Institución educativa para extender a la enseñanza secundaria oficial los principios pedagógicos fundamentales de la ILE y de la pedagogía europea más avanzada de la época.

Otros proyectos que se materializaron fueron las Misiones pedagógicas (1931-1937). Este fue un proyecto que se materializó años después de su muerte. Este proyecto, llegó a cerca de 7.000 pueblos y aldeas a través de 196 circuitos. Se repartieron 5.522 biblioetcas que en conjuntos sumaron más de 600.000 libros.

"Somos una escuela ambulante que quiere ir de pueblo en pueblo. Pero una escuela donde no hay libros de matrícula, donde no hay que aprender con lágrimas, donde no se pondrá a nadie de rodillas como en otro tiempo. Porque el gobierno de la República que nos envía, nos ha dicho que vengamos, ante todo, a las aldeas, a las más pobres, a las más escondidas y abandonadas, y que vengamos a enseñaros algo, algo que no sabéis por estar siempre tan solos y tan lejos de donde otros lo aprenden, y porque nadie hasta ahora ha venido a enseñároslo; pero que vengamos también, y lo primero, a divertiros".⁴

Manuel Bartolomé Cossio, diciembre de 1931.

Fueron llevadas a cabo por el Gobierno de la Segunda República, con Niceto Alcalá-Zamora como presidente y el ministro de instrucción pública Marcelino Domingo, el 29 de mayo de 1931 ante la enorme tasa de analfabetismo del país en comparación con el resto de Europa.

METODOLOGÍA

La metodología de Giner, continuando la fórmula ecléctica del krausismo español generado por Sanz del Río en el último tercio del XIX, Giner ejerció un influjo profundo y especial en sus “discípulos”. Su esfuerzo contribuyó a la renovación de la vida intelectual española. Buscó regenerar el país a través de las conciencias, quería crear hombres íntegros, cultos y capaces, sobre la base de la idea de que los cambios los producen los hombres y las ideas, no las rebeliones ni las guerras.

El método pedagógico definido por él como método intuitivo, es una mezcla entre filosofía socrática y la práctica franciscana, donde el maestro “influye en los alumnos no por su autoridad, sino por su conocimiento y su amor”.

La relación entre alumnos y profesores era íntima, cercana y familiar. Los exámenes memorísticos no existían. Las excursiones eran frecuentes a museos, fábricas, al campo…etc.

El respeto por la naturaleza y la formación íntegra como persona en armonía con el entorno natural, con el paisaje, era una de sus principales bases pedagógicas.

EN  LA  ACTUALIDAD

Cabe destacar de que no todo se perdió con la Guerra Civil sino que gran parte de las enseñanzas y el legado de Giner se recuperaron a partir de 1982.

La casa donde murió ha sido rehabilitada tras 10 años de trabajo y donde se reunieron el 17 de febrero de 2015 personas vinculadas a la fundación a la que da nombre, heredera del espíritu ILE.

Ademas cabe destacar que hay varias ciudades españolas como Mérida, Murcia o Valladolid que poseen institutos y colegios que llevan su nombre.

Para finalizar me gustaría rescatar esta frase que ya tiene 81 años y que con su cierre nos advierte algo que es imprescindible para nuestro país.

“No comprendo por qué odian de esa manera a las misiones. Las misiones no hacen más que educar. Y a España la salvación ha de venirle por la educación”.

Manuel Bartolomé Cossío (3/09/1935, Heraldo de Madrid)

ENLACES

           http://cultura.elpais.com/cultura/2015/02/18/actualidad/1424279396_857190.html

           http://www.fundacionginer.org/obras_comp.htm

      http://www.elmundo.es/magazine/m84/textos/bello1.html

      http://www.abc.es/cultura/arte/20130426/abci-daliresi-201304222010.html

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[1] José García Velasco, secretario de la Fundación Giner de los Ríos en la obra de tres volúmenes didicada a la institución y a su fundador en 2014.

Frida Kahlo y La casa azul (1907-1954)

Nombre original:         Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón

Fecha de nacimiento:  Coyoacán, México, 6 Julio 1907

Fecha de defunción:    Coyoacán, México, 13 julio 1954

Ocupación:                   Pintura y fotografía

Movimiento artístico:  Surrealismo

BIOGRAFÍA

Frida Kahlo nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, una delegación de México D.F., en la casa que fuera propiedad de sus padres desde 1904 y que hoy conocemos como La Casa Azul. Era la hija de Wilhelm (Guillermo) Kahl de ascendencia húngaro-alemana y Matilde Calderón originaria de Oaxaca. Frida es la tercera de cuatro hijas. Sus hermanas mayores, Matilde y Adriana, y su hermana menor que estuvo muy ligada a la pintora, Cristina.

A la edad de 6 años Frida padece de poliomielitis, lo cual fue determinante en la deformación de su matriz y posteriormente en su incapacidad para tener hijos. Durante la convalecencia de nuevo meses, su padre se aseguró de que ejercitara los músculos de su pierna, pero a pesar de los esfuerzos, su pie quedó deformado al haberse estancado su crecimiento. Frida intentó esconderlo mientras llevaba pantalones, faldas largas y con dos pares de calcetines.

Empieza las clases en la Escuela Nacional Preparatoria en 1922. Era una de las 35 chicas que habían tenido la suerte de asistir a esta escuela con la esperanza de convertirse en doctor. Se convierte en miembro de los Cachuchas, un grupo político con ideas socialistas-nacionalistas y conoce al que sería su novio, el líder del grupo Alejandro Gómez Arias.

El 17 de septiembre de 1925 a la edad de 18 años sufre un trágico accidente. El autobús en que viajaba es arrollado por un tranvía. Se fractura la pelvis y sufre lesiones en la espina dorsal, lo cual hizo dudar a los doctores de su capacidad para recuperarse. Pero debido a la inmovilidad que debía guardar los primeros meses empieza a pintar, primero con acuarelas y después con óleos. En septiembre de 1926 pinta Autorretrato con traje de terciopelo. Lo realiza para su novio, el cual lo abandonó sospechando que le había sido infiel antes del accidente pero mantienen una relación por correspondencia.

También durante esta época descubre que no podría tener hijos, lo cual la lleva a crear un certificado de nacimiento de un hijo imaginario.

Por su reciente interés por la pintura se relaciona con varios artistas, entre ellos la fotógrafa Tina Modotti y con el que en un futuro sería su esposo, Diego Rivera. Rompe su relación con Alejandro y se vuelca con Diego, con quien se casa cuatro años después el 21 de agosto de 1929.

La boda no gustó del todo a su familia ya que en comparación, ella era mucho más joven, mucho más menuda y más delgada que su marido, pero él poseía los medios necesarios para cubrir las necesidades médicas de la artista. Ambos vivirán en La Casa Azul y en el estudio de Diego, en Ciudad de México. Además de pasar temporadas de su vida en Cuernavaca y distintas ciudades de los EEUU como Detroit, San Francisco y Nueva York.

En este año también firma su segundo autorretrato con el que establece el estilo folklórico que sería su firma como artista, El tiempo vuela.

Sufre su primer aborto en 1930 debido a que el feto estaba en una posición incorrecta por su pelvis fracturada. Se trasladan a San Francisco donde conocerá al doctor Leo Eloesser, quien será uno de sus médicos de cabecera y uno de sus mejores amigos.

Frida regresará a México dejando a Diego trabajando en San Francisco. En México, Frida conoce al fotógrafo Nickolas Muray con quien mantuvo una relación amorosa secreta de casi 10 años.

Sufre un segundo aborto en 1932 mientras ella y Diego residían en Detroit, y su tercer aborto en 1934 donde además la operaron de apendicitis y la amputaron las puntas de sus dedos del pie derecho. Este mismo año, la pareja se separa ya que Frida descubrió que su marido estaba teniendo una relación amorosa con su hermana menor, Cristina. Un año después se reconcilian paro acuerdan tener vidas independientes.

A partir de 1936 su actividad política se multiplica. Estalla la Guerra Civil española y ellos actúan ayudando a los Republicanos españoles. También acogen en su casa a Leon Trotsky y su esposa, Natalia, con quien Frida mantendría una relación temporal.

Las constantes infidelidades de Diego provocan una crisis emocional en Frida, que hará que en 1939 se divorcien para tan solo un año después volver a contraer nupcias.

Entre 1940 y 1944 es el momento en que Frida Kahlo realiza más exposiciones, seminarios y realiza más obras. Es un tiempo bastante fértil en temas artístico y tranquilo. Hasta que en 1944 se acentua su declive físico. Utiliza más de 25 corsés para mantener su espalda en buena posición, es operada varias veces. Entre 1950 y 1951 permanece internada en el Hospital Inglés.

En 1953 le amputan la pierna ante una amenaza de gangrena. Y finalmente en 1954 cuando el Instituto Nacional de Bellas Artes le preparaba una muestra retrospectiva como homenaje nacional, muere en la casa Azul a la edad de 47 años.

A pesar de su estado de salud y de las múltiples operaciones, Frida compaginó su actividad artística con su activismo político. En múltiples aspectos de su vida como el lenguaje, la vestimenta y la gastronomía, Frida lucha por rescatar las raíces del arte popular mexicana buscándose así una identidad nacional.

En varias ocasiones se consideró el estilo de Frida como surrealista donde ella declaró:

“Piensan que soy surrealista, pero no es cierto, no lo soy. Yo nunca he pintado lo que sueño. Yo pinto mi propia realidad”

Esta frase recoge de manera muy dolorosa la que había sido su vida, que muchos consideraban una creación de su subconsciente cuando realmente era una transliteración de su dolorosa vida en imágenes.

OBRA

Se convirtió en vida en la pintora latinoamericana más famosa del siglo XX. Su obra gira entorno a su biografía y a su propio sufrimiento. Entre sus obras destacan principalmente autorretratos en los que proyectó sus dificultades para sobrevivir.

Además, posee una fuerte influencia de su esposo, Diego Rivera, con quien compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1931 realiza la primera muestra pública de su trabajo en la Sexta Exhibición anual de la Sociedad de San Francisco de Mujeres Artistas, con su cuadro Frida y Diego Rivera.

El 23 de septiembre de 1937. Cuatro de las pinturas de Frida fueron incluidas en la exposición colectiva en la Galería de arte de la Universidad Nacional Autónoma de México.

En 1938 logra su primera venta importante, vendiendo cuatro de sus cuadros al coleccionista americano y actor Edward G. Robinson por $200 cada uno. Ese mismo año realiza su primera exposición en solitario en la Galería Julian Levi, 15 East 57th St, del 1 al 15 de noviembre. Se mostraron 25 de sus cuadros y se vendieron la mitad de ellos.

En 1939 por invitación de André Breton quien la consideraba “surrealista”, expuso sus pinturas en Francia, aunque Frida no se consideraba tal, porque decía que ella no pintaba sueños sino su propia vida. La obra Autorretrato-El marco (Actualmente en Centro Pompidou), fue el primer cuadro adquirido por el Museo del Louvre, lo cual le llegó por sorpresa ya que ella misma pensaba que lo sus pinturas no podrían tener interés público.

En 1940 exhibió su trabajo en “Pintura Mexicana contemporánea y arte gráfico” en el Palacio de Bellas Artes de San Francisco, durante la exhibición Internacional Golden Gate.

A pesar de que gozó del reconocimiento de destacados pintores como Pablo Picasso, Kandinski o Marcel Duchamp, su obra no alcanzó verdadera fama y reconocimiento internacional hasta la década de 1970.

Algunas de sus obras más famosas son: Las dos fridas, Viva la Vida, Unos cuantos piquetitos y Diego en mi pensamiento.

En la actualidad, su obra posee una importante posición en el mercado de arte. Sus cuadros se encuentran en numerosas colecciones privadas de México, Europa y los Estados Unidos. Ha sido adoptada como representante del movimiento feminista a nivel internacional. Frida se ha convertida en leyenda, en referente cultural, rebasando el mito que la pintora creara de sí misma.

LA CASA AZUL

Ubicación: calle de Londres, 247 

Coyoacán, México D.F.

Fecha construcción: 1904

Metros edificados: 800 m2

Metros de parcela: 1200 m2

Ubicado en uno de los barrios más antiguos y bellos de la ciudad de México, el centro de Coyoacán. Perteneció a la familia Kahlo desde 1904 y hasta 1958 cuando fue convertido en el Museo Frida Kahlo. Conocida como la Casa Azul, fue el universo íntimo de Frida Kahlo.

Fue construida en 1904 por Guillermo Kahlo al estilo de las casas de la época: un patio central con los cuartos rodeándolo y al exterior totalmente afrancesado.

En los años posteriores sufrió modificaciones acordes a los gustos de la pareja: la pintaron de azul. Adquirió el jardín en 1937 y Diego Rivera manda construir a Juan O’Gorman un estudio para Frida en 1946. Diego propuso el uso de materiales de la zona: piedra volcánica o basalto, que fue usado por los aztecas para construir pirámides y tallar sus piezas ceremoniales. Finalmente en 1958 a petición de la difunta pareja, se decide compartir su casa y su obra con el pueblo mexicano, convirtiéndose así en un Museo.

Su casa recibió en vida a escritores, artistas, directores de cine, médicos, político, fotógrafos como André Breton, Tina Modotti, Edward Weston, León Trotsky, Juan O’Gorman, Carlos Pellicer, José Clemente Orozco, Isamu Noguchi, Nickolas Muray, Sergei Eisenstein, el Dr. Atl, Carmen Mondragón, Arcady Botler, Rosa y Miguel Covarrubias, Aurora Reyes e Isabel Villaseñor, entre otros.

La casa Museo

Nos permite descubrir la profunda relación entre las pinturas de Frida y su hogar. Sus habitaciones contienen parte de la obra de Frida y Diego, quien también vivió ahí. Destacan Viva La Vida y Frida y la Cesárea.

HABITACIÓN. Aquí se encuentran las camas (de día y de noche), aquellas que utilizó Frida para pintar mientras estaba inmovilizada de la columna. En el techo de la habitación hay un espejo, que fue colocado ahí para que Frida pudiera retratarse. En la cabecera permanecen los retratos de Lenin, Stalin y Mao Tse Tung. Hay un caballete, regalo de Nelson Rockefeller, sus pinceles y sus libros, también una colección de mariposas que fue regalada por Isamu Noguchi, y el retrato que hizo Frida de su amigo y amante Nickolas Muray.

Los objetos que más representan el dolor de la artista también están presentes. Muletas, corses y medicinas son los testimonios de su dolor. También destaca el estudio y su biblioteca, donde se aprecia a una Frida coleccionista.

COCINA. La cocina de la casa, a pesar de existir ya los fuegos con gas, Frida gustaba de cocinar de forma tradicional, así que todavía usaban fuegos a base de leña.imiento feminista a nivel internacional. Frida se ha convertida en leyenda, en referente cultural, rebasando el mito que la pintora creara de sí misma.

ENLACES
- http://www.museofridakahlo.org.mx/esp/1/frida-kahlo/biografia
- http://arqui-mexico.blogspot.com.es/2012/07/notas-y-articulos-de-arquitectura-la.html
- http://www.fkahlo.com/
- http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kahlo.htm